EL REGRESO DE LOS CLASICOS
21 FILMS FRANCESES DE GRANDES DIRECTORES

Del sábado 2 al jueves 14 de octubre 2010
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21 largometrajes –hoy considerados verdaderos clásicos– que atraviesan gran parte de la historia del cine francés, desde Toni, el experimento pre-neorrealista realizado por Jean Renoir en 1934, a la cruda y sensible exposición del desamparo de Agnés Varda en Sin techo ni ley, estrenada en el año 1985.
Entre otros realizadores, se verán largometrajes de Jean-Luc Godard, Jacques Demy, Alain Resnais, Jean-Pierre Melville y François Truffaut. Además, en una jornada homenaje, se exhibirá Bellamy, último largometraje del realizador Claude Chabrol, recientemente fallecido. Tocopias 35mm y 16mm. de la Embajada de Francia.

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Entrada $12.- Estudiantes y jubilados $5.-
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Sala Leopoldo Lugones
Teatro San Martín
Avda. Corrientes 1530
Tel.: 0800-333-5254

Sábado 2
A las 14:30 y 21 horas (87’, 35mm.)

SIN ALIENTO
(À bout de souffle, 1959)
Dirección: Jean-Luc Godard.
Con Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Jean-Pierre Melville, Daniel Boulanger.
Michel, un ladrón de poca monta, roba un auto y luego asesina a un policía en un hecho absurdo. Enamorado de Patricia, una muchacha neoyorquina, el joven espera cobrar una deuda para huir con ella lejos de París. Con este sencillo argumento y un estilo todavía incandescente, la ópera prima de Jean-Luc Godard se transformó en la quintaesencia del cine moderno. «Sin aliento obtuvo el premio Jean Vigo. En efecto, es un heredero de L’Atalante. El film de Vigo termina con Jean Dasté y Dita Parlo abrazándose en el lecho; ciertamente, esa noche, allí, ellos concibieron un niño: el Belmondo de Sin aliento” (François Truffaut).

A las 18 horas (138’; 16mm.)
EL EJÉRCITO DE LAS SOMBRAS
(L’ Armée des ombres; Francia/Italia, 1969)
Dirección: Jean-Pierre Melville.
Con Lino Ventura, Paul Meurisse, Jean-Pierre Cassel.
“En última instancia, lo que permanece luego de la proyección de El ejército de las sombras es cierta quietud, la sensación de un tiempo vivido, el entendimiento de un momento opacado por el alcance de la Historia. Quizás se trate del testamento cinematográfico más importante sobre la Resistencia francesa.” (Adrian Danks en Senses of Cinema).

Domingo 3
A las 14:30 y 19:30 horas (90’; 16mm.)
LOS CUATROCIENTOS GOLPES
(Les 400 coups, Francia, 1959)
Dirección: François Truffaut.
Con Jean-Pierre Léaud, Albert Remy.
“Con Los 400 Golpes, François Truffaut entra a la vez al cine moderno y a las aulas de nuestra infancia (…) Para resumir, ¿qué puedo decir? Sinceridad. Rapidez. Arte. Novedad. Cine. Originalidad. Impertinencia. Rigor. Tragedia. Renovación. Ubú Rey. Fantasía. Afecto. Universalidad. Ternura.” (Jean–Luc Godard)
A las 17 y 22 horas (105’, 16mm)

SIN TECHO NI LEY
(Sans toit ni loi; Francia; 1985)
Dirección: Agnes Varda.
Con Sandrine Bonnaire, Marcha Méril.
Varda hace un lírico réquiem de Mona, una adolescente vagabunda que es encontrada muerta, mostrando en flashback sus últimos meses, su problema de desarraigo de la sociedad y sus relaciones con la gente que alguna vez conoció.

Lunes 4 No hay función.

Martes 5
A las 14:30 y 19:30 horas (110’; 35mm).
MI NOCHE CON MAUD
(Ma nuit chez Maud, Francia, 1969)
Dirección: Eric Rohmer.
Con Jean-Louis Trintignant, Françoise Fabian,
Marie-Christine Barrault.
Después de pasar varios años en el extranjero, Jean-Louis, un ingeniero que vive desde entonces en Clermont-Ferrand, aspira a una vida de tranquilidad y estudio. En la iglesia a la que acude todos los domingos, observa a una joven rubia que le gusta y decide que será su mujer. “En el cine de Rohmer, la conversación nunca es solamente conversación y es siempre una forma de acción indirecta. El conocimiento de Rohmer acerca de esta crucial diferencia es una de las tantas cualidades que hacen de él un gran cineasta” (Kent Jones).

A las 17 y 22 horas (95’; 35mm).
PAULINE EN LA PLAYA
(Pauline à la plage; Francia, 1983)
Dirección: Eric Rohmer.
Con Amanda Langlet, Arielle Dombasle, Pascal Greggory.
Pauline es una joven adolescente de 15 años que, junto a su prima Marion, pasan un verano en la costa atlántica francesa. Marion se encuentra con un antiguo amigo, Pierre, quien mantiene una profunda atracción por ella. Sin embargo Marion prefiere al aventurero Henri, aunque sabe que su relación será corta. Tercer film de la serie Comedias y proverbios. “Si, como dice el proverbio, los personajes de una historia siempre tienen los ojos vendados, aquí parece que si hay algo frente a lo cual son ciegos es en definitiva a la competencia en la que se han embarcado” (Pascal Bonitzer).

Miércoles 6
A las 14:30, 17, 19:30 y 22 horas (110’; 35mm).
BELLAMY
(Francia, 2009)
Dirección: Claude Chabrol.
Con Gérard Depardieu, Clovis Cornillac, Jacques Gamblin.
Como cada año, el comisario Paul Bellamy va a pasar una temporada en Nimes, en casa de la familia de su mujer, quien sueña con hacer un crucero a la otra punta del mundo. Paul no puede ignorar los deseos de su esposa, pero odia viajar y encuentra un doble pretexto: la llegada inesperada de su hermanastro, un aventurero de poca monta dado a la bebida, y la aparición de un hombre desesperado que implora su protección. Paul empleará todos sus esfuerzos y su tiempo en intentar ayudarles, si es posible sin moverse de la ciudad.
“Que Depardieu, actor chabroliano por naturaleza, venga al fin, después de tanto tiempo, a funcionar ahora como una suerte de alter ego del propio Chabrol, no deja de ser una novedad que va más allá de la mera boutade entre amigos. El dato resignifica a Bellamy como una suerte de autorretrato no declarado, el discretísimo, casi secreto ingreso de un cineasta clásico (el más clásico de la nouvelle vague) en el cine moderno”. (Luciano Monteagudo, Página/12).
Exhibición especial en homenaje a su realizador, Claude Chabrol. Copia cortesía de Alfa Films.

Jueves 7
A las 14.30 y 19.30 horas (90’, 16mm)
LOS AMANTES
(Les Amants; Francia; 1958)
Dirección: Louis Malle.
Con Jeanne Moreau, Alain Cuny y Jean-Marc Bory.
Una mujer burguesa, casada con un hombre de posición respetable y con amante español jugador de polo. Se siente muy aburrida con su existencia. Ya no le entretiene ni la monótona vida que lleva en la casa de campo, ni sus viajes ocasionales a París para visitar a su amiga de infancia. De repente, un día se le estropea el coche en uno de sus trayectos entre la capital y el campo y una joven la ayuda al llegar a su hogar. Este breve encuentro le hará recapacitar y plantearse la posibilidad de comenzar de nuevo su vida.
A las 17 y 22 horas (104’, 35mm)
ADIÓS A LOS NIÑOS
(Au Revoir les enfants; Francia; 1987)
Dirección: Louis Malle.
Con Gaspard Manesse, Raphaël Fetjo y Francine Racette.
Invierno de 1943. Durante la ocupación alemana en Francia, en un colegio interno para chicos dirigido por religiosos católicos, Julián, un muchacho de trece años, queda impresionado por la personalidad de Bonnet, un nuevo compañero que ingresa en el colegio.

Viernes 8
A las 14:30 y 19:30 horas (101’, 16mm)
LA MUJER DE LA PRÓXIMA PUERTA
(La femme d’à côté, 1981)
Dirección: François Truffaut.
Con Gérard Depardieu, Fanny Ardant, Véronique Silver.
“¿De qué trata La mujer de la próxima puerta? Del amor y, por supuesto, del amor frustrado, sin el cual no habría ninguna historia. El obstáculo entre los dos amantes no es aquí el peso de la sociedad, no es la presencia de los otros, ni siquiera la disparidad entre dos temperamentos muy distintos, sino, bien por el contrario su similitud”. (François Truffaut)

A las 22 horas (108’; 35mm).
AMANTES
(La Dentellière; Francia/Suiza/Alemania, 1977)
Dirección: Claude Goretta.
Con Isabelle Huppert, Yves Beneyton, Florence Giorgetti.
Pomme, aprendiz de peluquera, tiene diecinueve años y es reservada y silenciosa. Invitada a Cabourg por Marylène, su exuberante amiga, inicia una relación con François, un estudiante que, a pesar de ser tímido como ella, le infunde respeto por sus amplios conocimientos. De regreso a París viven juntos pero cuando François le presenta a sus padres, la brecha social parece enorme. El film que transformó a Huppert en una estrella del cine francés contiene “una de sus mejores, más sensibles interpretaciones.” (The New York Post).

Sábado 9
A las 14:30 y 19:30 horas (90’, 35mm)
HIROSHIMA MON AMOUR
(Francia, 1959)
Dirección: Alain Resnais.
Con Emmanuelle Riva, Eiji Okada, Stella Dassas.
Una francesa que se encuentra filmando una película en Hiroshima pasa la noche con un arquitecto japonés. La situación le recuerda al primer hombre que amó, un soldado alemán, durante la Segunda Guerra Mundial. «Si solo se trata, como dice René Clair, de ‘contar una historia mediante imágenes’, una vez contadas todas las historias, el arte de la puesta en escena no puede evolucionar más. Pero si se trata de liberar al cine de esa necesidad, entonces queda todo por hacer y Resnais dio un gran paso con Hiroshima mon amour, una película sin argumento, emotiva y bella” (François Truffaut).

A las 17 y 22 horas (85’; 16mm.).
EL DINERO
(L’argent, 1983)
Dirección: Robert Bresson.
Con Christian Patey, Sylvie Van Den Elsen, Michel Briguet.
Votado como el film más importante de la década del ’80 en una encuesta internacional de críticos y cineastas, esta adaptación libre de un relato de Tolstoi (Billete falso) hace de una serie de engaños, mentiras y robos un mecanismo de una fatalidad abrumadora, cuyo baño de sangre final es apenas la exteriorización de la naturaleza del Mal. Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes 1983.

Domingo 10
A las 14:30 y 19:30 horas (95’; 35mm)
ORFEO
(Orphée; Francia, 1950)
Dirección: Jean Cocteau.
Con Jean Marais, François Périer, María Casares.
A partir de la leyenda de Orfeo, Jean Cocteau construye una historia sin tiempo, en la que el amor, la vida y la muerte conviven en un clima de trágica ensoñación. “¿Habrá que demostrar a estas alturas la importancia de Jean Cocteau como cineasta? (…) Era un artista de los pies a la cabeza, de punta a cabo, y estaba dispuesto a prestar a los demás artistas un apoyo incondicional”. (François Truffaut).
A las 17 y 22 horas (89’; 16mm)
PIEL DE ASNO
(Peau d’Âne; Francia, 1970)
Dirección: Jacques Demy.
Con Catherine Deneuve, Jean Marais, Jacques Perrin.
Una princesa, aconsejada por su hada madrina, rechaza el amor de su padre huyendo oculta bajo una piel de asno, de la que se despoja algunas veces cuando se encuentra sola en su cabaña. Un príncipe la descubre y se enamora de ella. El famoso cuento de Charles Perrault fue adaptado por Jacques Demy “partiendo desde lo que pasó por mis ojos de niño cuando tenía siete u ocho años”.

Lunes 11 No hay función

Martes 12
A las 14:30 y 19:30 horas (100’, 35mm)
TONI
(Francia; 1934)
Dirección: Jean Renoir.
Con Charles Blavette, Celia Montalbán y Édouard Delmont.
En la Provenza, Toni, un joven inmigrante que trabaja como cantero, encuentra alojamiento en casa de una joven del pueblo, Marie. Esta no tardará en caer profundamente enamorada de él. Toni, sin embargo, ama a otra mujer, la ardiente y complicada Josefa, la cual es a su vez el objeto de deseo de su capataz, Albert. Cuatro destinos cruzados que no tardarán en colisionar violenta y dramáticamente.
A las 17 y 22 horas (95’, 16mm)
PUERTA DE LILAS
(Porte des Lilas; Francia; 1956)
Dirección: René Clair.
Con Pierre Brasseur, Georges Brassens y Henri Vidal.
Un vagabundo se encapricha con una hermosa joven que tiene serios problemas con un gánster. René Clair logra conjugar los elementos del drama y la comedia en una historia de amistad y confusiones. El protagonista, Brasseur, fue quien le propuso al realizador la novela de Fallet en la cual el film se basa. “Era un buen tema para mi, y Brasseur hizo todo sencillo. Es un ejemplo de como los dramas resultan mas fáciles de abordar que las comedias”. (René Clair).

Miércoles 13
A las 14:30 y 19:30 horas (85’, 16mm)
CARMEN, PASIÓN Y MUERTE
(Prénom: Carmen; Francia; 1983)
Dirección: Jean – Luc Godard.
Con Maruschka Detmers y Jacques Bonnaffe.
Durante un fallido atraco a un banco, una terrorista llamada Carmen intenta ser seducida por un guardia de seguridad, Antonio. Para escapar del arresto, Carmen aparenta corresponder a su pretendiente, y ambos se refugian en un apartamento. Sin embargo, Carmen sigue comprometida con las acciones terroristas de su grupo, que planea un secuestro.
A las 17 y 22 horas (89’; 16mm)
FIEBRE
(La Baie des anges; Francia, 1963)
Con Jeanne Moreau, Claude Mann, Paul Guers.
Jean, un joven algo ingenuo, llega a Niza y descubre a la vez el juego y a Jackie: entre ellos surgirá rápidamente la pasión y la fascinación. Para el novato Jean se trata de su educación sentimental, pero para Jackie quizás se trate simplemente de otro, novedoso juego. El desencanto y el pesimismo que suele acompañar a las mejores obras románticas vuelve a hacerse presente en la segunda película de Demy, la crónica detallada de la decadencia amorosa de una pareja. “Quise desmontar y mostrar el mecanismo de una pasión. Lo mismo habría podido tratarse, por ejemplo, del alcohol o de la droga y no del juego.” (Jacques Demy).

Jueves 14
A las 14:30 y 19:30 horas (85’; 16mm)
LOLA
(Francia/Italia, 1961)
Dirección: Jacques Demy.
Con Anouk Aimée, Marc Michel, Jacques Harden.
Lola, una bailarina de cabaret, educa sola a su hijo. Michel, su ex amante y padre del niño, se marchó siete años atrás, pero Lola lo espera, cantando, bailando y amando a los marinos de paso. Roland, un amigo de su infancia con quien se reencuentra por casualidad, se enamora perdidamente de ella. Pero Lola seguirá esperando a Michel. Rodado en la ciudad natal del realizador, Nantes, el film fue definido en el momento de su estreno como un “musical sin música”. En plena explosión de la nouvelle vague, Lola marcaba distancias con el cine de sus jóvenes coterráneos y preparaba el terreno para una filmografía ciertamente personal. Jean-Luc Godard confesó que con Lola “ocurría como con Italia: cuando se ha ido una vez, siempre se sienten deseos de volver.”

A las 17 y 22 horas (91’; 35mm)
LOS PARAGUAS DE CHERBURGO
(Les Parapluies de Cherbourg; Francia/Alemania, 1964)
Dirección: Jacques Demy.
Con Catherine Deneuve, Nino Castelnuovo, Anne Vernon.
Geneviève, una joven que trabaja en la tienda de paraguas de su madre en la ciudad de Cherbourg, está enamorada de Guy, un joven mecánico de un garaje. La pareja planea casarse a pesar de la oposición de la madre, quien considera a Geneviève demasiado joven y a Guy demasiado pobre. Para pagar una deuda, la dueña del local se ve obligada a venderle un collar a un rico joyero, el cual se enamora de Geneviève a primera vista. Quizás el film más innovador en la filmografía de Demy, Los paraguas de Cherburgo es una obra cuyos diálogos, como en la ópera, están íntegramente cantados. Indudablemente uno de los musicales más tristes y fatalistas de la historia del cine, su realizador declaró que se trata de “una película contra la guerra, contra la ausencia, contra todo aquello que odiamos y que destruye la felicidad.”

En la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, se realiza del 30 de Septiembre al 10 de Octubre de 2010, el “VI Festival de Cine Inusual de Buenos Aires”. Esta nueva edición cuenta con tres importantes salas del circuito de exhibición porteño destinadas a promover una programación ecléctica y un espacio formativo de reflexión. Ellas son:
 
- Cine Gaumont (Espacio INCAA KM 0) – Av. Rivadavia 1635 (Precios Populares)

- Complejo Arte Cinema (Espacio INCAA KM 3) – Salta 1620 (Precios Populares)

- Casa Nacional del Bicentenario – Riobamba 985 (Entrada Libre y Gratuita)

Desde sus inicios, el “Festival de Cine Inusual de Buenos Aires” se ha propuesto indagar los aspectos menos explorados de la producción cinematográfica nacional e internacional con el fin de cubrir las expectativas de aquellos que anhelan una ‘visión fílmica diferente’.  Pensado para todo tipo de espectador, el “Inusual” promueve difundir estas expresiones singulares, cualquiera sea su género y procedencia, en la búsqueda constante de innovación artística e independencia de criterios comerciales.
 
El Festival dura 11 días e incluye Competencia Argentina de Largometrajes y Cortometrajes.

En la COMPETENCIA OFICIAL DE LARGOMETRAJES, el Jurado está integrado por Emme; Gillespi; Julio Nakamurakare y Roly Serrano.
 
Se presentan títulos de interés como ”Alan Smithee’s Nosferatu”; “La Jactancia de los Tontos” protagonizada por Mario Paolucci; “La Muerte Después” de Martín Bastida; “La razón de mi vida” realizada por Gustavo Charif y con producción ejecutiva de Gastón Portal; “La tía Mima” de Lucas Damino y Sebastián Menegaz; “Una Beatle” de Gustavo Schammas; “Uritorco, en la cumbre solo te espera el miedo” de Carlos de la Fuente y “Y.E.N.G.A”, film marplatense de Braian Merino.
 
En la COMPETENCIA OFICIAL DE CORTOMETRAJES, el Jurado está compuesto por Lorena Bianchini; Karim González y Paulo Pécora. Se destacan diez trabajos de nuevos directores argentinos que exponen distintas inquietudes estéticas.
 
Por primera vez, se entrega el “PREMIO ALBERTO FARINA”, reconocido crítico y docente que fuera homenajeado en la anterior edición. La distinción será al mejor largometraje del Inusual 2010, según el Jurado conformado por Gabriel Fresta; Emiliano Penelas y Enrique Stavron.
 
La ASOCIACIÓN DE CRONISTAS CINEMATOGRÁFICOS DE ARGENTINA premia al cortometraje ganador del VI Festival de Cine Inusual de Buenos Aires con la clasificación – en forma directa – a la competencia de los premios “Cóndor de Plata”.

CANAL (á) premia al cortometraje ganador del VI Festival de Cine Inusual de Buenos Aires con su exhibición en la grilla de la señal.

SICA otorgará una beca al mejor largometraje y al mejor cortometraje del VI Festival de Cine Inusual de Buenos Aires.
 
El criterio de selección general se centra en la pluralidad temática con SECCIONES INTERNACIONALES que incluyen una revisión del cine europeo (“16 años de alcohol”; “The Hide”; “No mires atrás”), la renovación de la producción coreana (“Speed Scandal” y “Tsunami”), el análisis de la problemática adolescente en riesgo (“Dungeon Girl” y “El necrófilo”) y la visión de los vínculos humanos (“Disfruta el silencio” y “Satanás”). También, hay lugar para obras inclasificables como “Empaná de pino” y misceláneas de autores noveles como Andrea C. Hönig; Pablo Rivero y Rodolfo Weisskirch.
 
Uno de los puntos fuertes del festival es el ESPACIO FORMATIVO que promueve el acercamiento activo del espectador. En la presente edición, se desarrollará en la “Casa Nacional del Bicentenario” con entrada libre y gratuita.
 
Este año, reconocidos directores e investigadores cinematográficos disertarán sobre Jorge Prelorán; Juan Carlos Gené; el estado de la crítica en “Arcadia Salteña”; la mirada billikenista de los próceres en la pantalla nacional y la evolución del diseño gráfico en Argentina. También, se alude a la heterogeneidad geográfica y social del barrio de Lugano con un cautivante film y habrá una mesa de ENERC sobre el rescate y restauración de “El péndulo” de Fabián Bielinsky.
 
En PRESENTACIONES ESPECIALES, las novedades son más que alentadoras. “Bye Bye Blackbird” de Robinson Savary y la comedia “Lucho y Ramos (estamo como queremo)” de Leonardo Fabio Calderón, con Favio Posca y María Fernanda Callejón se exhibirán en formato 35 mm. “Carmilla” de Ernesto Aguilar; “En tus venas” de Beata Gardeler y “La mujer del bosque” de Álvaro Robles se presentan en carácter de estreno absoluto.
 
Los FOCOS se concentran en tres directores esenciales. Desde España, Samuel Alarcón sorprende con sus experiencias audiovisuales y fuertes referencias cinéfilas. Desde Japón, llega lo último del director cyberpunk japonés Shozin Fukui (incluyendo la versión 2010 de “Caterpillar”) y desde Chile; tenemos el honor de contar con la primera retrospectiva en nuestro país de Verónica Qüense y su lúcida mirada sociocultural contemporánea.
 
Nuestras futuras ACCIONES PROMOCIONALES del año en curso son: “Muestra Identidades” (Tandil); “16° Feria del Libro Pacífico” (Cali / Colombia) y la “1° Muestra de Cine Inusual” en la Universidad Experimental de las Artes (Caracas / Venezuela). Además, de las presentaciones en MARFICI 2010; la “Semana de Cine Argentino en Salta” y los ciclos mensuales en Arte Cinema.
 
DATOS DE INTERÉS:
 
- APERTURA: “Bye Bye Blackbird” de Robinson Savary. Con Derek Jacobi; Michael Lonsdale y James Thiérrée (nieto de Charles Chaplin), Con la presencia del realizador francés. Jueves 30 de Septiembre / 21 hs / Cine Gaumont.
 
- NOCHE DE GALA: “Carmilla” de Ernesto Aguilar. Con Fernanda Neil y Felipe Colombo. Miércoles 6 de Octubre / 21 hs / Cine Gaumont.
 
- CEREMONIA DE PREMIACIÓN: Incluye una selección inusual del FAV (Festival Argentino de Videoclips). Sábado 9 de Octubre / 20.30 hs / Complejo Arte Cinema.
 
- SPOT: http://www.youtube.com/watch?v=0og4qzlNA3o (realizado por Jimmy Crispin)
 

- INFO COMPLETA + FOTOS: www.festivaldecineinusual.blogspot.com / http://www.primordiales.com.ar
 
- CONTACTO: festivalcineinusual@yahoo.com
 
- PRENSA / INVITADOS: comunicarse con la producción del Festival.
 
- AUSPICIAN: Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina; Canal (á); Casa Nacional del Bicentenario; Centro Cultural Coreano; CineBuho; Cinefania.com, Cineteca Vida; Emerald; ENERC; Festival Argentino de Videoclips; INCAA; Ministerio de Cultura (GCBA); Mundo Rock Radio; Museo del Cine (GCBA); Revista Godard!; Secretaría de Cultura de la Nación; SBP/Transeuropa; SICA; Tandil Cortos; VideoFlims.
 
- ORGANIZAN: Silvia G. Romero: 15-5908-3354 / Fabián Sancho (Museo del Cine: 43033088, int. 210, de 15 a 18 hs)
 

Programación en el blog de Cine Inusual: http://www.festivaldecineinusual.blogspot.com/

Ver programación aqui:
Cinemigrante

El cine alemán, más que una foto fija

¿Cómo analizar el estado de la cinematografía de un país? Es tan difícil como sacar una radiografía de un ser humano para definir si está sano o no. Toda situación artística y comercial (y la realidad de una industria audiovisual se define en ambos terrenos) excede el marco de una “foto fija” porque es un proceso fluctuante, en constante evolución (o involución). Por lo tanto, ¿qué define el éxito o fracaso de las películas de un mismo origen? ¿Las frías estadísticas de espectadores? ¿Los muchas veces caprichosos premios en los festivales? ¿Las ventas al exterior?

Si hay algo que permite sostener que el cine alemán merece ser considerado como exitoso o importante es la riqueza y diversidad de su oferta, y su alcance internacional con directores tan disímiles entre sí como Fatih Akin, Oliver Hirschbiegel, Doris Dörrie, Werner Herzog, Wim Wenders o los jóvenes que han hecho de la Escuela de Berlín uno de los movimientos estéticos más aclamados en las principales muestras del mundo.

Los números también le sonríen al cine alemán: durante el primer semestre de 2010, la recaudación en las salas -gracias al boom del 3D- aumentó un 5 por ciento y alcanzó los 443 millones de euros. Los films locales consiguieron una cuota de mercado superior al 20 por ciento (con un total de 12 millones de espectadores), gracias a dos grandes éxitos: Soul Kitchen, del mencionado Akin; y Friendship!, comedia de Markus Goller sobre las desventuras de un joven de la ex Alemania del Este que viaja a San Francisco en busca de su padre, que forma parte de la oferta de la muestra porteña de este año.

Precisamente, que el Festival de Cine Alemán alcance en 2010 su décima edición consecutiva es otro ejemplo contundente del interés que muchas de sus películas despiertan en el exterior, así como de una legítima y sostenida política germana para promocionar los mejores films fuera de sus fronteras.

Como siempre, la muestra elige para su apertura un título que llega con buenas dosis de polémica, audacia y elogios encima. La Extraña (Die Fremde) es el primer largometraje de ficción de Feo Aladag, que se inicio como actriz y posteriormente dirigido comerciales y escrito giuones. Se inspiró en un hecho (el crimen de una joven veinteañera de origen turco) que conmovió a la sociedad alemana en febrero de 2005. Si bien este film -que arrasó con los premios en el último Festival de Tribeca- tiene un desenlace diferente al del caso real, expone en toda su dimensión el machismo, el fanatismo musulmán, la explotación de la mujer y las cada vez más fuertes contradicciones entre aquellos que emigran y sus familiares que deciden quedarse en el país de origen. Para seguir, la notable actuación de Sibel Kekilli en el papel protagónico.

La extraña, por supuesto, no es el único plato fuerte de la programación de este año. Entre los muy diversos títulos, aparece Llega el día (Es kommt der Tag), otra opera prima dirigida y escrita por una mujer, Susanne Schneider, que es guionista y apenas tiene un telefilm previo. En su film aborda un tema arduo, complejo y provocativo: tres décadas después de haber dado a su hija en adopción para unirse a un grupo terrorista clandestino, una mujer vive en un viñedo con una nueva familia y una identidad cambiada. Pero su ahora adulta hija la seguirá hasta allí para confrontarla.

Además de Llega el día –premiada en el Festival de Tesalónica-, se podrán ver en la nueva sede del Hoyts de Abasto un film recientemente estrenado en la Quincena de Realizadores de Cannes (Picco, de Philip Koch) y un elogiado documental (Kinshasa Symphony, de Claus Wischmann y Martin Baer, sobre la vida en una de las zonas más caóticas del mundo como es la capital de la República Democrática del Congo y la pasión de su gente por la música), entre muchas otras propuestas. Todo esta listo, entonces, para un nuevo banquete de películas alemanas, un ritual que cada septiembre -desde hace ya una década- se repite para satisfacción de los cinéfilos argentinos.
DIEGO BATLLE
Director, OtrosCines.com
Diario La Nación

Programación: http://www.cinealeman.com.ar/festival10/programacion.html

Notas del director

“Es necesario investigar y, cuando lo hacemos, al final y con un poco de ingenio, vemos claramente que La ronda de noche de Rembrandt se esfuerza por resolver un conflicto. Éste es el acto más subversivo de Rembrandt, su yo acuso.”
“El cuadro es la manifestación de un asesinato con los asesinos captados al detalle. Es curioso pensar que Rembrandt cobró, y cobró tan bien, por revelar la verdad del ejército civil de Ámsterdam en plena edad de oro holandesa, todo ello en una milésima de segundo y que esta verdad queda congelada en La ronda de noche.”
“Los espectadores se entretendrán, quedaran fascinados y, sobretodo, satisfechos de que la evidencia haya sido finalmente interpretada con éxito. Al fin y al cabo, esta es la interpretación de una pintura que sigue las reglas y la historia. Rembrandt se sentiría gratificado de ver que esta obra coral fue reconocida como la acusación que él pretendía que fuera.”

Ficha Técnica
Dirección: Peter Greenaway
Producción: Femke Wolting, Bruno Felix
Dirección de fotografía: Reinier van Brummelen
Jefe de producción: Maarten Piersma
Música: Giovanni Sollima
Montaje: Elmer Leuden

Países Bajos, 2008 – 90 min

Sábado 11 de septiembre a las 16:00
Sábado 18 de septiembre a las 16:00

En la actualidad, el discurso sobre el cine ocupa un lugar preciso y por derecho propio dentro del campo cultural, con una jerarquía similar a la de la crítica literaria o teatral. Pero no siempre fue así. La figura del crítico como especialista, capaz de analizar y escribir sobre cine a partir de un conocimiento específico, determinado por la práctica cinéfila, surge en la década del 60. Hasta entonces, salvo algunas experiencias pioneras en los años 50, las revistas se ocupaban de la vida de las estrellas o del negocio de la exhibición, y las críticas en medios masivos -salvo excepciones- solían combinar la descripción argumental con la opinión arbitraria y la propaganda. Tiempo de Cine apareció por primera vez en agosto de 1960 y se publicó, con interrupciones, hasta 1968. Fueron en total 23 números, algunos dobles, que marcarían la historia de la crítica local. Editada por el cineclub Núcleo, la revista era un proyecto entre amigos, en el que nadie cobraba, pero donde se discutía sobre directores, películas y cines de todo el mundo con rigurosidad.
El consejo directivo estaba integrado por Salvador Sammaritano, Víctor Iturralde, José Agustín Mahieu y Héctor Vena; y había un “cuerpo crítico estable”, formado por Edgardo Cozarinsky, Mabel Itzcovich y Carlos Burone. Quino estaba a cargo de la sección de humor, y en los dos primeros números se luce la mano del artista plástico Rogelio Polesello como diagramador. La revista contaba con prestigiosos corresponsales en el exterior como Guido Aristarco (Italia), George Fenin (Nueva York), Marcel Martin (Francia), Homero Alsina Thevenet y Emir Rodríguez Monegal (Uruguay). Entre las numerosas firmas que pasaron por Tiempo de Cine, se cuentan, entre otras, las del futuro realizador Eduardo de Gregorio, Roberto Raschella, Antonio Salgado, Alberto Ciria, Oscar Yoffe, Franco Mogni y las de críticos que ya tenían cierto renombre, como Domingo Di Núbila y José Miguel Couselo. Además, colaboraban algunos jóvenes que luego serían reconocidos periodistas, como Enrique Raab, Tomás Eloy Martínez, Ernesto Schoo y Horacio Verbitsky. Tiempo de Cine también solía darle la palabra a los realizadores, a través de entrevistas y de textos propios, firmados por Leopoldo Torre Nilsson, Simón Feldman, Rodolfo Kuhn, José Martínez Suárez o David José Kohon.
La revista del cineclub Núcleo se sitúa en el punto de intersección de los distintos procesos de modernización que atravesaron el cine, el periodismo y la reflexión crítica en los años 60. Y si bien no tenía una línea teórico-crítica homogénea, lo que unía a los colaboradores, locales y extranjeros, era su profunda cinefilia y el interés por un cine personal, artístico y comprometido con la realidad. Un cine que identificaban con el neorrealismo italiano y con todos los “nuevos cines” que vinieron después, y que exigía a su vez otro tipo de crítica. Tiempo de Cine era exhaustiva en la información; publicaba reseñas, entrevistas, coberturas y ensayos, pero además intervenía activamente en cuestiones coyunturales. En las editoriales, cuestionaba la censura y las malas políticas del Instituto de Cine. La revista acompañó y alentó la aparición del cine joven e independiente de la llamada Generación del 60, y promovió la crítica como herramienta de reflexión, análisis y debate.
Las películas elegidas para recordar los 50 años de Tiempo de Cine constituyen sólo un recorrido posible por esa década prodigiosa, en la que el público podía ver grandes films en los cineclubes o en las salas de cine arte, y continuar el debate en los bares y en las páginas impresas. Hoy es difícil encontrar algunos títulos en DVD, y bastante improbable poder verlos en fílmico. En cuanto al debate apasionado y enriquecedor, hoy está más cerca de la rareza que del hábito. Por eso, la selección y las reseñas de este ciclo buscaron reflejar los gustos e intereses de la revista, pero también recuperar algo del espíritu de aquellos años.
La programación:

Hiroshima mon amour
(1959) de Alain Resnais. 80′.
Jueves 23 de septiembre a las 18.00

Un guapo del 900
(1960) de Leopoldo Torre Nilson. 84′.
Domingo 12 de septiembre a las 15.30

Alias Gardelito
(1961) de Lautaro Murúa. 90′.
Viernes 10 de septiembre a las 18.00

Lola
(1961) de Jacques Demy. 90′.
Viernes 1 de octubre a las 18.00

Paula cautiva
(1963) de Fernando Ayala. 1963′.
Viernes 10 de septiembre a las 16.00

Los amantes deben aprender (Rome Adventure)
(1962) de Delmer Daves. 119′.
Sábado 11 de septiembre a las 14.00

Tom Jones
(1963) de Tony Richardson. 121′.
Jueves 30 de septiembre a las 16.00

El llanto del ídolo
(1963) de Lindsay Anderson. 134′.
Jueves 30 de septiembre a las 14.00

Adorado John
(1964) de Lars Magnus Lindgren. 115′.
Sábado 2 de octubre a las 23.30

Disparen sobre el pianista
(1960) de Francois Truffaut. 85′.
Viernes 10 de septiembre a las 14.00

El ojo salvaje
(1960) de Sidney Meyers y Joseph Strick. 68′.
Domingo 3 de octubre a las 14.00

El soldadito
(1963) de Jean-Luc Godard. 88′.
Domingo 3 de octubre a las 15.20

Aleluya las colinas
(1963) de Adolfas Mekas. 82′.
Jueves 23 de septiembre a las 14.00

El grito
(1957) de Michelangelo Antonioni. 116′.
Viernes 1 de octubre a las 14.00

Los muelles de Nueva York +MV
(1928) de Josef Von Sternberg. 76′.
Jueves 23 de septiembre a las 20.00

Él
(1953) de Luis Buñuel. 92′.
Sábado 18 de septiembre a las 14.00

Cenizas y diamantes
(1958) de Andrzej Wajda. 103′.
Viernes 17 de septiembre a las 14.00

La terra trema
(1948) de Luchino Visconti . 160′.
Jueves 30 de septiembre a las 19.00

Intolerancia +MV
(1916) de David Griffith. 175′.
Jueves 23 de septiembre a las 22.00

El sheik
(1952) de Federico Fellini. 92′.
Sábado 25 de septiembre a las 14.00

Hace un año en Marienbad
(1961) de Alain Resnais. 94′.
Jueves 23 de septiembre a las 16.00

El mundo de Apur (Apur Sansar)
(1959) de Satyajit Ray. 105′.
Jueves 16 de septiembre a las 22.00

Los jóvenes viejos
(1962) de Rodolfo Kuhn. 106′.
Jueves 16 de septiembre a las 16.00

El señor de las moscas
(1963) de Peter Brook. 92′.
Jueves 9 de septiembre a las 23.55

Apenas un gran amor
(1964) de Valo Radev.
Viernes 17 de septiembre a las 16.00

Sobre mujeres diferentes
(1964) de Vera Chytilova.
Viernes 17 de septiembre a las 18.00

Dios y el Diablo en la tierra del sol
(1964) de Glauber Rocha. 120′.
Jueves 9 de septiembre a las 14.00

Vidas secas
(1963) de Nelson Pereira dos Santos. 103′.
Jueves 9 de septiembre a las 16.00

Rebelión
(1967) de Masaki Kobayashi. 128′.
Sábado 25 de septiembre a las 23.30

La cabeza contra la pared
(1959) de Georges Franju. 95′.
Jueves 16 de septiembre a las 18.00

Los inadaptados (The Misfits)
(1961) de John Huston. 124′.
Sábado 18 de septiembre a las 23.30

Prisioneros de una noche
(1962) de David José Kohon.
Domingo 12 de septiembre a las 14.00

El amor a los veinte años
(1962) de Varios. 120′.
Domingo 26 de septiembre a las 14.00

Fuga allegro vivace
(1960) de Jean Renoir. 90′.
Sábado 2 de octubre a las 14.00

La infancia de Iván
(1962) de Andrei Tarkovski. 95′.
Viernes 24 de septiembre a las 18.00

Morir en Madrid
(1966) de Fréderic Rossif . 74′.
Viernes 24 de septiembre a las 14.00

Por la patria
(1964) de Joseph Losey. 89′.
Viernes 24 de septiembre a las 16.00

La regla del juego
(1939) de Jean Renoir. 110′.
Sábado 2 de octubre a las 16.00

El séptimo sello
(1957) de Ingmar Bergman. 96′.
Jueves 9 de septiembre a las 22.00

Il Posto
(1961) de Ermanno Olmi. 90′.
Jueves 16 de septiembre a las 14.00

SESIÓN I. LA HERENCIA SOVIÉTICA Y LA HERENCIA EXPERIMENTAL
Presentación y programa: Emilio Bernini y Delfina Gil Soria
Miércoles 8 de septiembre. 20.00 (Presentación)
Jueves 9 de septiembre. 15.00
El astillero (Shipyard, Paul Rotha, 1935, 24’)
La secuencia del lanzamiento del barco al agua, luego de todo el trabajo inmenso de su construcción, puede verse como un análogo de la secuencia de las escalinatas de Odessa en El acorazado Potemkin, luego ! de la gestación de la rebelión. Todo el film en gran medida es una suerte de análogo socialdemócrata de la estética constructivista del cine soviético, pero los trabajadores aquí ya no se rebelan contra ninguna opresión; trabajan aliados con los patrones de la burguesía inglesa, pero están representados como un héroe colectivo (à la soviética) que contribuye a sostener la industria inglesa, antes que a forjar la sociedad comunista.
A la deriva (Drifters, John Grierson, 1929, 50’)
A pesar de sus críticas a las vanguardias, no puede negarse que en los planos de la máquina de vapor que impulsa al barco, Grierson no deja de filmar lo aprendido en el cine soviético, por la alianza productiva de los hombres y la máquina. La belleza impresionista del mar (con sus movimientos sin móvil, con las sobreimpresiones y los fundidos) es otra de las herencias de los modernismos de los años veinte que la escuela inglesa refunde con otra idea de! progreso y de sociedad.
La danza del arcoiri! s (Rainbow Dance, Len Lye, 1934, 4’) La convergencia del cine experimental y la propaganda de Estado no es una excepción en la historia del cine. En el caso del cineasta neozelandés Len Lye, que procede de la pintura abstracta, su trabajo dentro marco institucional del Correo Postal inglés, no le impidió una autonomía de experimentación con la imagen y, en particular, con el color. Contra la estética realista impuesta al documental de la misma escuela, Lye quiso hacer un “film-ballet”, donde el baile no es el del viajero únicamente sino el que compone el movimiento mismo del film. Lye trabajó con capas fotográficas coloreadas, y utilizó a su actor recortando su silueta y convirtiéndolo un personaje de cartoon.
Trade Tatoo (Len Lye, 1937, 5’)
En el mismo sentido del uso de la imagen cinematográfica analógica como material para la experimentación con las capas de color, Len Lye utiliza fotogra! mas de una película célebre de la escuela, Correo nocturno (Harry Watt y Basil Wright), para un trabajo que abstrae sus referentes para convertirlos en fragmentos multicolores.
El amor en un ala (Love on the Wing, Norman McLaren, 1938, 4’)
El cineasta escocés Norman McLaren, antes de su radicación en Estados Unidos y Canadá, en su primer corto. El crítico Jez Stewart ha señalado que se trata de dibujos en un fluir de la conciencia. McLaren no creía que la animación fuera el arte de dibujar en movimiento sino el de dibujar los movimientos.
The H.P.O (Lotte Reiniger, 1938, 4’). Las iniciales HPO abrevian Heavenly Post Office, algo así como “correo celestial”. Se trata de un pequeña fábula de la cineasta alemana Lotte Reiniger, convocada en 1937 por Alberto Cavalcanti para formar parte del grupo de cineastas de la escuela.
Una caja de colores (A Col! our Box, Len Lye, 1935, 4’) Lye no utilizó una cámara para ! filmar A Colour Box. Trabajó directamente pintando y rayando el celuloide. Concibió estas imágenes como “una danza vicaria para la música”.
La dote (The Tocher, Lotte Reiniger, 1938, 5’) Otra fábula de la cineasta berlinesa adaptada a la propaganda estatal. Para ella misma es un “ballet romántico” estilísticamente complejo pero con un relato simple. Las siluetas de Reiniger tienen la forma y el movimiento de las marionetas, a diferencia de las de Len Lye que están tomadas de las imágenes cinematográficas de personas empíricas.
Un telegrama de seis centavos (Sixpenny Telegram, Donald Taylor, 1935, 6’)
La herencia experimental aquí está subordinada –a diferencia de lo que ocurre en los cortos de Len Lye, Norman McLaren y Lotte Reiniger– al mensaje de propaganda estatal. Donald Taylor se formó con John Grierson en el cine documental y lo concebía como un a! rte popular.
Norte o noroeste (N or NW, Len Lye, 1937, 7’)
Uno de los pocos films en que Len Lye domestica la experimentación al relato de dos jóvenes enamorados cuyas cartas por error pueden poner en riesgo su vínculo. Hay aquí imágenes analógicas de los jóvenes, reconocibles en sus rostros, pero en primeros planos extremos, en ángulos insólitos, en cambios súbitos de foco.
PROGRAMACIÓN :
SESIÓN II
Presentación y programa: Silvia Schwarzböck
Miércoles 15 de septiembre 20.00 (presentación) Jueves 16 de septiembre 15.00
SESIÓN III Presentación y programa: Gustavo Costantini
Miércoles 22 de septiembre. 20.00 (presentación) Jueves 16 de septiembre 15.00
SESIÓN IV Presentación y programa: Yamila Volnovich
Miércoles 29 de septiembre 20.00 (presentación) Jueves 30 de septiembre. 15.00

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Entrada $12.- Estudiantes y jubilados $5.-
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Sala Leopoldo Lugones
Teatro San Martín

Avda. Corrientes 1530
Tel.: 0800-333-5254
+ info: Programación

La ciudad de Buenos Aires se caracteriza, entre tantas otras virtudes, por ser un gran centro cultural que atrae tanto a turistas extranjeros, como a los argentinos de todas partes del país. Es que ofrece una inmensa variedad de opciones que abarcan todas las expresiones artísticas, de todas las épocas y vertientes.

En ese contexto, nuevas galerías y museos abrieron sus puertas en los últimos meses para ofrecer un panorama cada vez más amplio que se suma a la movida de ferias y exposiciones donde se exhiben las obras de talentos consagrados pero también emergentes. Y en línea con la tendencia, nace en la ciudad otro espacio con una impronta artística que espera ser tan atractiva como novedosa.

Se trata del Museum Art Center Buenos Aires (MACBA) que se edifica según el proyecto de los arquitectos Aldo Rubino y Constanza Cerullo quienes lo concibieron a principios de 2009. El objetivo de la institución es difundir, coleccionar y estudiar el arte del siglo XX y el contemporáneo -no sólo dentro del ámbito de Latinoamérica sino también a partir de la extensión de las fronteras locales a otros mercados- a la vez que promover artistas argentinos a nivel internacional y brindar la posibilidad, también a extranjeros, de exponer sus obras.

El MACBA adquirió en la última edición de arteBA ‘10 la obra de Marta Minujín, Freaking on fluo. Además, en el último tiempo también compró una obra del reconocido Stupía y otra de Manuel Esnoz. Éstas y otras piezas podrán visitarse luego de la apertura del museo, prevista para mediados de noviembre de 2011.

Ubicado en el barrio de San Telmo, la nueva propuesta porteña se hallará de manera adyacente a los también destacados Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y Museo del Cine así como al edificio de la Exhibición de Arte Patio de los Naranjos. De esta forma, la institución pasará a formar parte del proyecto Polo Cultural Sur que lleva adelante el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

El museo funcionará en un edificio que combina galería de arte, librería y cafetería en los pisos inferiores y oficinas con programas vinculados al arte en los niveles superiores. Es que el complejo contará con seis pisos (y dos subsuelos). Su fachada, además, se destacará por lucir un frente integral vidriado de 15 x 12 metros que comunicará muestras y eventos. Otro detalle interesante es que el volumen del edificio está retirado del frente y del fondo del terreno por unos patios que iluminan y ventilan el interior del lugar.

MACBA – Avenida San Juan 328
Más información: www.macba.com.ar

“Así se estableció de repente y por primera vez en la historia del cine un descarado contacto directo con el espectador”…

Funciones para el día domingo 13/06/2010
El discreto encanto de la burguesía (Le charme discret de la bourgeoisie – Luis Buñuel)
Origen: Francia-España-Italia – Año: 1972 – 102 min.
con: Fernando Rey, Delphine Seyrig – Jean Pierre Cassel
a las 19:00hs / Bono contribución: $ 20,00

Funciones para el día domingo 20/06/2010
El fantasma de la libertad (Le Fantôme de la liberté – Luis Buñuel)
Origen: Italia-Francia – Año: 1974 – 103 min.
con: Monica Vitti, Jean-Claude Brialy, Michel Piccoli
a las 19:00hs / Bono contribución: $ 20,00

Funciones para el día domingo 27/06/2010
Ese oscuro objeto del deseo (Cet obscur objet du désir – Luis Buñuel)
Origen: España-Francia – Año: 1977 – 102 min.
con: Fernando Rey, Angela Molina, Carole Bouquet
a las 19:00hs / Bono contribución: $ 20,00

El mundo de un protagonista del Cine Independiente, cuya obsesión, son los personajes marginados que sufren o se rebelan contra la sociedad.
Jim Jarmusch inicialmente estudió Historia de la Literatura Inglesa y Estadounidense en la Universidad de Columbia de Nueva York, y fue más tarde, ya con las influencias literarias, alumno de la New York University Film School, donde fue ayudante de Nicholas Ray. Ahí comenzaría su carrera fílmica.
Su primera película, Permanent Vacation (1981), rodada en 16 mm y con bajo presupuesto, es una historia sobre un joven marginado en Manhattan. En 1982 dirigió el cortometraje The New World (El nuevo mundo), que en 1984 dio lugar al largometraje Extraños en el Paraíso con la que ganó la Camera d’Or en Cannes. Este relato de las aventuras y desventuras de dos amigos y una chica húngara, ambientado en un paisaje típico americano y rodada en blanco y negro, atrajo la atención de la crítica y Jarmusch pasó a ser considerado un nuevo valor del séptimo arte. En 1986 dirigió Bajo el peso de la ley, relato de tres criminales que escapan de la cárcel y se esconden en las zonas pantanosas de Louisiana. Ambas películas fueron alabadas por la crítica europea como evidencia de la existencia de una nueva tradición minimalista de estética experimental; pero la obra de Jarmusch cautiva principalmente por su retrato agudo y emotivo de la figura del perdedor al margen de la sociedad. En sus dos siguientes películas: Mystery Train (El tren misterioso, 1989) y Night on Earth (Noche en la Tierra (1991), un conjunto de cinco relatos que transcurren en Estados Unidos y Europa con un taxi como pretexto, abandona el formato en blanco y negro pero continúa con su obsesión por los personajes marginados que sufren o se rebelan contra la sociedad.
Además de las influencias literarias, cabe destacar las influencias musicales para Jarmusch. Músicos como Tom Waits (del cual es un reconocido amigo), Joe Strummer, Iggy Pop, John Lurie y Screamin Jay Hawkings aparecen en sus películas, y también su cuidada elección con las canciones que forman parte de las bandas sonoras de sus films.
Programación:
4 de junio
20 hs
Vacaciones Permanentes
Permament Vacation. (EE.UU, 1980) Con Chris Parker, Jhon Lurie, Maria Duval. Dur: 72´.

5 de junio
20 hs
Extraños en el Paraíso
Stranger than paradise. (EE.UU., Alemania, 1984) Con Jhon Lurie, Richard Adson, Eszter Balint.Dur: 90´.

6 y 19 de junio
20 hs
Bajo el peso de la ley
Down by law. (EE-.UU, 1886) Con Tom Waits, Roberto Benigni, Nicoletta Braschi, Jhon Lurie, Ellen Barkin. Dur:107´

11 y 20 de junio
20 hs.
Mystery Train
MYSTERY TRAIN ( EE.UU,1989)
Con Nicoletta Braschi, Jay Hawkins, Tom Waits, Joe Strummer. Dur: 110´.

12 de junio
20 hs.
Una noche en la tierra
Night on earth. (EE.UU, Francia, Reino Unido, Alemania y Japón, 1991) Con Winona Ryder, Giancarlo Esposito, Gena Rowlands, Roberto Benigni, Beatrice Dalle, Matti Pellonpaa, Rosie Perez, Armin Mueller- Stahl. Dur: 128´

13 de junio
20 hs.
Flores rotas
Broken flowers. (EE.UU, 2005) Con Bill Murray, Jefrey Wright, Sharon Stone, Frances Conroy, Jesssica Lange, Tilda Swinton, Julie delpy. Dur: 106´.

18 y 27 de junio
20 hs.
Hombre muerto
Dead man (EE. UU, Alemania, Japón, 1995). Con Johnny Deep, Gary Farmer, Lance Henriksen, Michael Wincott, Eugene Byrd, Mili Avital, Crispin Glover, Iggy Pop, Billy Bob Thornton, Pared Harris Gabriel Byrne, Jhon Hurt, Robert Mitchum. Dur: 121´.

Los cortos turísticos (Agnès Varda)
Origen: Francia – - 99 min.
a las 20:00hs / Libre y gratuito
Se proyectarán: Oh estaciones, oh castillos… (Ô saisons, ô châteaux… Francia, 1958); Placer de amor en Irán (Plaisir d’amour en Iran, Francia, 1976, 6 min.); En la costa (Du côté de la côte, Francia, 1958, 25 min.); Tío Yanco (Oncle Yanco, Francia, 1967, 18 min.); Un minuto para una imagen (Bonus: Une minute pour une image, Francia, 1983).

Funciones para el día miércoles 16/06/2010
Cinevardaphoto (Agnès Varda)
Origen: Francia – - 92 min.
a las 20:00hs / Libre y gratuito
Se proyectarán: Ulises (Ulysse, Francia, 22 min. ); ¡Hola, cubanos! (Salut les cubains Francia-Cuba, 1963, 30 min.); Ydessa, los osos y etc. (Ydessa, les ours et etc…, Francia, 2004, 44 min.)

Funciones para el día miércoles 30/06/2010
Origen: Francia – - 95 min.
a las 20:00hs / Libre y gratuito
Se proyectarán: ¿Sabes que tienes bonitas escaleras? (T’as de beaux escaliers, tu sais, Francia, 1986); Los novios del puente Mac Donald (Les fiancés du pont Mac Donald, Francia, 1961, 5 min.); El león volátil (Le lion volatil, Francia, 2003, 12 min.); Las llamadas cariátides (Les dites cariatides, Francia, 1984, 12 min.); Panteras negras (Black panthers, Francia, 1968, 31 min.); Respuesta de mujeres: nuestros cuerpos, nuestro sexo (Réponse de femmes: Notre corps, notre sexe, Francia 1975); 7p., cuis., s. de b., … (à saisir) (7 dormitorios, cocina y cuarto de baño: no se lo pierda Francia 1984, 28 min. )

Bañado la Estrella / pilagá / 26 min
Lo que hasta hace pocos años era en habitat del que se valían para vivir, pescar y cazar, poco queda. Los pilagá de El Descanso fueron inundados. El título de sus tierras poco vale, ni siquiera fueron consultados. El Estado determinó la construcción una ruta-dique que atraviesa el bañado y un canal dentro de sus tierras que los dejó anegados.
Fuertes hacheros, sagaces cazadores, hábiles artesanos, nos revelan la sabiduría del poblador originario. Prueba contundente de su preexistencia.
Preparados para dominar al medio, pero queda claro que indefensos ante el blanco.

Culturas Distantes / wichi / 26 min
Ya hemos concedido que los pueblos originarios existen, que están. La ley así lo prevee y lo reconoce. Sin embargo, en los hechos, ¿funciona?.
A 18 kms deTartagal, una pequeña comunidad wichi sufre el desmonte y la usurpación de sus tierras primero y la carcel para uno de los suyos después. A través del accionar de un antropólogo, conoceremos los detalles de un controvertido caso, que hacen que Qatú esté preso hace más de cinco años sin juicio ni condena. Hechos que a occidente naturalmente conmueven, son repensados desde la visión de una comunidad que lo tiene claro, fundado en su tradición, y en la convicción de que se trata de un caso mas de incomprensión cultural. Una realidad que trasciende al caso. El rol de la educación, el derecho a la identidad, la posibilidades de un juicio justo…

Hijos de Tokwaj / wichi
El Chaco Salteño alberga decenas de comunidades originarias. Muy cerca de Santa Victoria Este, se encuentra Cañaveral II. Una comunidad wichi bien plantada en sus creencias y tradiciones, con una muy interesante actividad cultural de puertas abiertas que busca conservar los lazos con sus orígenes y fortalecerlos de cara al futuro.
A través de la familia Mendoza conoceremos su vínculo con la educación formal, con el mundo occidental que cada día avanza más. Un documental para acercarse a la cosmovisión wichi, a sus más profundas creencias. Su increíble vínculo con el medio, con la naturaleza, una relación sana y duradera de la cual tenemos mucho que aprender.

26 de junio
20 hs.
Entre brujos y dioses / chorote / 26 min
En tiempo de los ingenios azucareros, las misiones anglicanas tuvieron su auge entre los pueblos originarios. En búsqueda de contención y con el atractivo de una vida gregaria gran parte de los chorote adoptó el cristianismo como religión. La práctica implicó la negación de muchas de sus raíces culturales. Siendo el brujo (ayeu) el referente máximo de la tradición, sufrió la proscripción y demonización de los seguidores de la Biblia.
En las afueras de Tartagal, Misión Chorote, nuclea aún hoy esas controversias. Una comunidad en la que conviven pastores y brujos. Testigo de cultos evangélicos y curaciones shamánicas. Cantos ancestrales y bailes actuales. Relatos que en el esfuerzo por demonizar terminan revitalizando la figura de un personaje imprescindible en la cultura chorote: el ayeu.

La matanza de Rincón Bomba / pilagá / 26 min
Melitón Domínguez cuenta, se ríe, recuerda. De su madre cautiva por la lucha entre etnias, de caciques guerreros, de cueros cabelludos como trofeos. Los tatuajes, los bailes, los festejos. De los viajes a pie a los ingenios azucareros en Salta. Pero se detiene y cuenta con dolor del ruido de las metrallas que masacraron a su pueblo. Allí frente a Las Lomitas, Formosa, nos construye un violín de lata, para darnos un sonido de otro momento. Sus nietos revolotean, juegan, sin saber cuán dueños de sí eran en ese tiempo. Melitón no está solo, son muchos los pilagá que viven a diario el orgullo de su pueblo.

Nuevas raíces / chorote / 25 min
El río Pilcomayo era la frontera natural del pueblo chorote. Del lado argentino, los wichi eran sus más temibles enemigos. Sin embargo, aparecería un enemigo mayor: la guerra del Chaco. Escapando, cruzaron el río y se instalaron en gran número en Misión La Paz.
Es allí donde conoceremos a Artín y su familia. Un chorote que vivió de cerca aquellos tiempos de vida montaraz, hasta estos de integración a nuestra cultura. Poseedor de una gran sabiduría, nos muestra el monte, sus frutos, sus conocimientos y tradiciones que transmite a su familia. Mauro, su hijo, es auxiliar bilingüe en la escuela multiétnica de La Paz, y desde allí lucha por sus costumbres y la conservación de su idioma.
Un pueblo que lucha por conservar su identidad en una realidad que los empuja a abandonarla.

Recuerdos de guerra / nivaklé / 27 min
Misión el Cruce es una de las pocas comunidades nivaklé de Argentina. Alli conocemos a Josefina, a Faustino, y con ellos su presente y sus recuerdos. Sus conocimientos y sus pérdidas. La influencia de Tartagal que destruye rápido sus costumbres, y su familia en La Paz que mantiene vivos sus conocimientos. Ricos relatos de los nivaclé y las luchas interétnicas, de la guerra del Chaco y el cruce del lado paraguayo. Un documental que alterna pasado y presente de una etnia amenazada.